La Galerie Andréhn-Schiptjenko présente la première exposition personnelle de Terence Gower du 1er février au 15 mars 2025. Terence Gower (né en 1965) est un artiste canadien qui travaille en France, à New York, et à Mexico. Il utilise de nombreux médias, notamment la vidéo, la sculpture, le dessin, l'installation, le son et les constructions architecturales à grande échelle. Travaillant simultanément sur plusieurs corpus d'œuvres, chacune étant en recherche et en production depuis plusieurs années, voire plusieurs décennies, ses installations sont souvent reconfigurées chaque fois qu'elles sont exposées. Dans le cadre de ses recherches, Gower s'approprie souvent des photographies d'époque, des films de fiction et documentaires, des documents d'archives et des artefacts historiques. Intéressé par la manière dont les formes abstraites représentent des idées abstraites, y compris des concepts idéologiques, il consacre une grande partie de son travail à l'étude et à la collecte de formes, principalement dans les domaines de l'architecture et de l'art.
Cette exposition rassemble trois projets qui démontrent chacun un processus différent de génération de formes, dans plusieurs médias différents, y compris la sculpture, le dessin, la gravure et l’installation.
Human Industry (Escalator), 2025 est une suite de sculptures et d'œuvres sur papier basées sur la forme tronquée d'un simple escalator, un artefact commun dans des sites publics et commerciaux qui regroupent des collections denses d'humains en mouvement, tels que les gares et les centres commerciaux. La série est née d'observations faites au cours d'une randonnée d'une journée en BasseAutriche pendant l'été 2023, relatées dans un court récit qui est présenté à côté des œuvres dans l’installation.
« Vers la fin de la randonnée, je suis passé devant un petit entrepôt entouré d'une cour remplie de broussailles. Au bout de cette cour, la carcasse colossale d'un escalator en acier inoxydable était abandonnée parmi les herbes sauvages, comme une baleine échouée. Cet exemple frappant de notre habitat humain était comme le grand final de cette journée. Cette forme puissante a rapidement trouvé sa place dans cette série de sculptures et de dessins réalisés dans des matériaux qui renvoient directement aux objets et à leur contexte. »
L’exposition rassemble, dans une sorte de poésie opérante, des œuvres d’artistes que je connais personnellement avant leur travail et des artistes dont la rencontre s’est faite par leur travail. C’est un instantané de ma relation avec des œuvres et des artistes qui me touchent pour diverses raisons, souvent d’une certaine proximité, ce qui n'exclut pas les surprises.
Gruen in Tehran (2018 - en cours) est une peinture murale monumentale accompagnée d’une série de douze gravures qui emploient la xylographie, l'aquatinte, la sérigraphie, la typographie et des techniques numériques. Le projet est basé sur des recherches dans les archives de Victor Gruen à la Bibliothèque du Congrès (Washington, DC), et raconte l'histoire de l'invitation de Gruen par le Shah d'Iran à concevoir un nouveau plan d'urbanisme pour la capitale iranienne au début des années 1960.
L'histoire professionnelle de Gruen - de l'exilé juif autrichien concepteur de magasins dans le New York des années 1930, à son invention de la typologie des centres commerciaux dans la Californie des années 1950, en passant par l'urbaniste mondialement reconnu des années 1960 - est détaillée dans un court essai historique qui accompagne les douze estampes de la série. L'œuvre met en avant le marquage performatif de Gruen l'urbaniste, qui dessinait ses plans sur des photographies aériennes, créant ainsi des compositions géométriques conçues pour façonner la manière dont nous, citadins, vivons dans les villes que nous habitons. Ces formes géométriques fascinantes, qui s'entrelacent dans la peinture murale comme une composition complexe de céramique islamique, sont toutes réalisées à l'aide d'encres et de peintures contenant des pigments achetés au bazar de Téhéran.
Free Association (2010 - en cours) offre au spectateur un nuage de formes fragmentaires suspendues, découpées au laser dans de l'aluminium de 6 mm et recouvertes d'une variété d'émaux colorés. Cette œuvre s'inspire de la technique psychanalytique éponyme, qui consiste à extraire des phrases, des images et des souvenirs de l'inconscient du patient. Les formes qui composent la sculpture ont également été tirées de l'inconscient de l’artiste, apparemment au hasard, à l'aide du dessin automatique, et ces dessins à la plume et à la gouache ont ensuite été utilisés comme des croquis pour les formes suspendues du mobile.